「決定假設去向的是讀者，不是作者。故事這東西是風，要有搖動它的東西，風才會開始變成眼睛看得見的東西。」——村上春樹〈自己是什麼？（或美味的炸牡蠣吃法）〉
村上春樹這裡所提及的「故事」，若果以「藝術」代入時想來亦無不可——尤其是只透過顏色、筆觸與構圖等，純粹注入創作者的個人情感與意念，而不憑藉內容來表達敘事的抽象藝術，似乎更為適切。
面對這個已發展了將近一整個世紀的藝術思想及形式，來到今日如何能持續生氣勃勃地開拓出得以回應這個時代的審美需求，不但是許多藝術家無可迴避的重要課題；從另一方面來說，也是對於觀者的叩問及挑戰。
此次「搖動的風」匯集曲德義、盧明德、楊明迭、董心如、郭思敏、宋璽德、林鴻文、陳建榮、葉竹盛、楊仁明等人，他們採用的媒材與創作面向或各異其趣，然而透過創作來顯現個人內在的精神力量，並且（即使提供的線索可能相對要少而隱晦）傳遞出「不立文字」般直觀溝通的企圖卻頗為一致。
當既定的藝術形式結構與難以預期的觀照產生對話也好，相互抗衡也罷，往往會碰撞出某些溢流出格的奇特效果。藉由這些藝術家想要透過創作所傳達的特定情緒與思考，或許會在不斷搖晃的過程中逐漸清晰也說不定。所以，讓我們都成為搖動風的人吧！
2020.12.12（六）- 2021.02.06（六）
總召集人｜曲德義 教授（北藝大名譽教授/前關渡美術館 館長）
策展人｜張禮豪
藝術家｜曲德義、宋璽德、林鴻文 、郭思敏、董心如、楊仁明、楊明迭、葉竹盛、盧明德、陳建榮 （依姓氏筆畫排序）
開幕茶會｜2020.12.12(六)16:00
地點｜問空間 Ask Art Space｜新北市板橋區重慶路8號９樓
楊明迭，《水光no.3》，70 × 250 × 180 cm，2020，玻璃、不鏽鋼線、冷光
藝術家楊明迭的作品《水光 no.3》，將垂吊的發光裝置，與版畫印刷結合。並且在安靜的環境中，讓聽覺能發現到電流竄動的聲音。地圖與植物的疊合，被封存在水滴狀的玻璃材質中，形成類似被凝結的效果。在感官上提供了豐富的趣味性及詩意。值得注意的是，即便作品提供了許多的符號線索，但並不期望敘述明確的訊息。而是藉著提供開放式的解讀空間，試著與不同觀者的個人經驗形成對話。
盧明德，《偽自然D》，120 × 90 cm，2020，複合媒材。
藝術家盧明德的作品《偽自然 D》，運用了尺規、溫度計和風扇葉片等等的現成物，與圖鑑式的手繪動 / 植物，構成了可以多方向解讀的世界觀。再一次形成了針對再現自然的反思。畫面中的物件各自有著意義，卻又不相互關聯，打開了不拘一格的世界觀。作品流暢地跨越了「組合符號->敘事」的慣性框架，讓不斷被丈量的藝術語彙，不再需要被條列式解說。
葉竹盛，《蛻變1》，130 × 97 cm，2020，壓克力。
藝術家葉竹盛的作品《蛻變1》從個人對照自然的反應出發，以內造化的反芻呈現完全主觀的畫面結構。透過不斷面對 / 解決畫面問題的方式，讓畫面在色彩、筆觸、動線等等達到平衡與協調。將藝術家的精神狀態，非刻意地記錄在畫布之上。豐富的層次不再限於訊息傳遞，而是期望觀者能夠對於畫面有所感應，進而形成自身獨有的美感經驗。
曲德義，《無界A2001》，49 × 130 cm，2020，壓克力、麻布。
藝術家曲德義的作品《無界A2001》，延續著多年來所討論的「理性與感性之間的空間關係」，並以更自信的創作手法做出新的詮釋。畫面結構上善用二元對比的思維，經常可見許多的衝突與融合。尤其是半自動性的流淌與精準計算的塊面，形成了有輕有重的韻律感。藝術家藉由精煉而穩重的經驗，隨心所欲地與畫面發生的意外共存。所描繪的已非是某種單一的情感，而是種種意識運作的軌跡。
林鴻文，《浪遊》，72.5 × 60.5 cm，2015，水性油彩、壓克力顏料。
藝術家林鴻文的作品《浪遊》，所展現的是非常直觀的人格特質呈現。藝術家運用相當文人化、寫意的手法，將個人內在的意志視覺化。細觀時會發現畫面的修改極少，可以想見藝術家越來越清晰的自我認知，通透而反璞歸真。或是說對於畫面中種種的小意外，也能夠自然地與之共生。作品如同沒有形象的自畫像，流露出自在自得的、離塵的雋永氣質。
董心如，《窈渺2018-4 小滿》，100 × 100 cm，2018，複合媒材、畫布。
藝術家董心如的作品《窈渺2018-4 小滿》源於二十四節氣的概念，卻與多數藝術家透過環境氣候方向的詮釋手法不同。藝術家透過進一步加內化、去形象化的情感投射，讓畫面的結構顯得沉靜而開闊。源於水墨畫的美學經驗，被轉換成為了虛實相生的色相、肌理的疊加則是可以感受到源於暈染法的空間感。作品走出了節氣的框架，並且更深刻地與時刻變化的精神 / 心境產生共鳴。
宋璽德，《桃花源2》，44.3 × 3.5 × 2.5 cm，2020，不銹鋼、油墨印刷。
藝術家宋璽德的作品《桃花源2》，延續著對傳統山水再詮釋的脈絡，融入了幾何造型與印刷油墨的運用。不鏽鋼材質與與潑灑的色彩，形成了與眾不同的「鏡照」效果。隨著方向及遠近的轉換，作品形成了千變萬化的幻境。尤其近觀鏡面時所看見的不單是自身的形象，也是自身與色彩間的交疊。引領著身處作品之前的觀者們，不單是進入鏡中，也進入了心神嚮往的桃花源之中。
楊仁明，《想法與說法4》，90 × 53 cm，2016，壓克力、油彩、布。
藝術家楊仁明的作品《想法與說法4》，突破了藝術家過往潑灑與幾何間的二元辯證，轉化出了一種更精煉、穩定的繪畫結構。明確的單色分割與即興、有機的筆觸塗抹，對應著思想和語言之間的複雜聯繫。舊照片般的色彩，則是暗示著某種時間的淡出與淡入。作品中對稱又不對襯的水平線，更是引起了官這們的無限想像。在理性與感性之間，揉入了繪畫的身體感與時間感。透過的簡明卻又難以定義的視覺語彙，邀請觀者們產生屬於自身的理解。
郭思敏，《虛實間#10》，29 × 33 × 35 cm，2012，烤漆、鐵。圖/問空間提供
藝術家郭思敏的作品《虛實之間10》，讓觀者明確感受到建築式的空間思維以及金工材質的工法運用。在不同的角度中，作品的造型延伸出了空間的多重反轉。如同是多張建築草圖的立體融合。作品自然˙而流暢地解構了觀者們對於空間的習慣，甚至透過空間的曲折讓時間的流動方式不再規律。作品在不算大的作品尺寸中，引領著視線進退。近觀時彷若深入山中霧中充滿了未知，也讓意識在作品中有著無限延伸的可能。
陳建榮，《Landscape 121》，72.5 × 53 × 5 cm，2017，壓克力顏料、綜合媒材、畫布。圖/問空間提供
藝術家陳建榮的作品《Landscape 121》，組構出了一個建築、機械工程圖與流動筆觸相互堆疊的空間觀。從鳥瞰、剖面和水平等多重視點的切換，讓工具式的圖像經歷了多次的解構重組。反映出當代社會中，既熟悉又陌生的視覺經驗，最終交疊出充滿趣味的景深關係。視覺風格遊走在完成和即將完成之間，給予觀者們更多、更深沉的想像與投射空間。
